John Petrucci & Dream Theater

Not in a high-tech studio in Manhattan, but in a former barn in upstate New York, just a stone’s throw from the site of the legendary Woodstock Festival, the new album from the US progressive rock quintet was created. There, we also get to know guitarist John Petrucci from a different perspective.

In the Catskill Mountains, not far from the now-legendary town of Bethel, lies a barn converted into a studio, named “Yonderbarn.” Last summer, Dream Theater set up shop there for their new album. Their goal: to return to their roots.

Meaning: writing and recording together as a band in one room, instead of separate songwriting sessions between Messrs. Rudess and Petrucci followed by track-by-track recording. All of this included hanging out, cooking, eating, and drinking together. The result is called Distance Over Time.

Stefan Woldach: John, how did you come to choose this way of working?

John Petrucci: We were on tour for an extremely long time, first with The Astonishing, then with the Images, Words & Beyond anniversary tour, more than two years in total. Jordan and I wrote the last studio album on our own because of that. It took up a lot of our time and felt a bit isolated in the end.

So we wanted the whole band back together, to write and rehearse together, and simply spend more time together. When we’re in our rehearsal space in New York, it’s usually like this: you’re constantly interrupted, there are always breaks, family commitments, and usually not everyone is there.

That’s why we decided to go out to the countryside together, cut off from all appointments, obligations, and distractions, focused solely on making music together. We found this wonderful barn, a former studio in the Catskill Mountains, and it was wonderful. It’s located in the middle of the forest, right next to a lake, and there are deer, ducks, and raccoons. The scenery is breathtakingly beautiful. We had an incredible amount of fun.

SW: The writing process as a band sometimes involves disagreements and discussions. Was the creation of Distance Over Time an easy process?

JP: Yes, it’s quite easy for us because we know each other very well. And even if someone has a different opinion, it’s not a big deal. In the end, it often depends on how well you can sell your idea to your bandmates. We don’t always agree, but in the end, everyone is happy with a finished song. That’s very important to us. We also generally pursue every idea, learn a riff, try it out together, and if it works, it becomes a song.

SW: The opener, ‘Untethered Angel,’ has an almost brutal energy. Was that intentional, to immediately set the direction of the album?

JP: Yes, exactly. That was the fourth song we wrote during the sessions, and everyone agreed it would be a perfect opener! We waited a bit because we still had a few songs to write, but in the end, the song was ideal for opening the album. It starts mysteriously, slowly draws you in – and then hits you like a ton of bricks! [laughs] A really strong start!

SW: ‘Barstool Warrior’ and ‘At Wit’s End’ are once again excellent examples of intricately interwoven melodies.

JP: Cool. Those are our influences from bands like Yes, Genesis, and Marillion; that’s exactly our style – strong melodies, big choruses – that’s what progressive rock is all about for me.

SW: How long did the songwriting and recording take?

JP: The writing process took four weeks. Originally, we only wanted to write the album at Yonderbarn and record it in New York. Yonderbarn used to be a studio, but it had been empty recently. But then we felt so comfortable there, the live room sounded great, and we liked the atmosphere so much that we changed our plans. So we had all our recording equipment brought in – microphones, preamps, monitors, everything you need – and set up the entire studio technically in three days and recorded there. Except for James, who recorded his vocals afterward with Richard Chycki at his studio in Toronto because James prefers peace and quiet for singing.

SW: The album sounds significantly heavier than your last ones. What did that mean for you and your sound settings, or rather, your amps and guitars?

JP: We brought in all our live equipment. The most important component is my Mesa Boogie JP-2C Signature amp. That’s my amp, that’s my sound. The only thing that was different there was that, since the recording space sounded so great, we set up a room mic for the guitar and added a bit of the room’s character to the mix.

SW: What’s your current take on overdrive/fuzz vs. gain?

JP: I’ve found my sound with the Mesa Boogie. The gain on my amp gives me plenty of power. I don’t need to add anything else. Plus, there’s the gain boost on my Majesty Signature model if I want a little extra punch. But that’s a matter of taste.

If you like a clean amp and put an overdrive or fuzz in front of it, that also produces a great sound. Excellent, but different. Not as direct and punchy, more creamy with more compression. But that depends on what style you want to play. Of course, I have a few overdrive/fuzz pedals on my board for a bit of fun here and there. But I don’t really need them. I’ve opted for the gain of my amp.

SW: What do you currently use to color your sound?

JP: I only have a few pedals, mostly from TC Electronic. For clean sounds, I use the HyperGravity compressor; I really like the sound. Then the Viscous Vibe and my Dreamscape Modulation Signature pedal. Not to forget my Dunlop Signature Cry Baby Wah. I also have a Fractal Audio Axe-FX III for delay sounds.

SW: You’re now on your eighth signature model. Is that an expression of musical changes or playing technique requirements over time?

JP: The Majesty is something completely different. The design hasn’t changed, but the details have. We’ll be presenting a new model at the upcoming NAMM Show. The only things we’re changing are the wood combinations and finishes. And the DiMarzio pickups are subtly different, too. But the design is immutable, because in my opinion, this guitar is simply perfect. When I started working with Music Man 18 years ago, the first bodies were made of basswood. I came from Ibanez and was used to basswood bodies. It made sense.

Then my signature model changed over the years. We tweaked the body shape a bit, introduced the BFR, which is a little larger and more traditionally oriented. It wasn’t until the Majesty that there was a significant change in the design, due to the neck-through construction, whereas the other signature models had bolt-on necks.

The development of my signature models stems from my search for sound, my love for guitars, and the art of guitar making in general. I could play any of my signature models in any Dream Theater show and be completely satisfied. They’re all a little different in terms of shaping and woods, but they’re all great in their own way.

SW: What about vintage instruments?

JP: That’s never really appealed to me. I don’t own an old Stratocaster, a Les Paul, an SG, or an ES-335. I was quite young when I got the offer to work with Ibanez with Dream Theater. That meant I played a signature instrument early on. And now, after 18 years with Music Man, I have everything I ever dreamed of with my signature models.

SW: And what do you play at home, on the sofa, especially acoustic guitars?

JP: I own a few Taylors. I discovered them years ago and have come to appreciate them. On the new album, I was able to try out a brand-new model with their new bracing system. And you know what? I recently bought an acoustic guitar from you guys in Germany. I discovered Gypsy jazz a while ago, through Joscho Stephan. Do you know him?

SW: Absolutely!

JP: I checked out his guitar and also bought a Selmer-Maccaferri-style guitar from luthier Jürgen Volkert. I actually played that guitar in the middle section of ‘Fall Into The Light’.

SW: So you’ve discovered Gypsy Swing?

JP: Yes, absolutely! It’s really awesome! I don’t know why I only discovered it now. Why did this great music pass me by for so long? I recently watched a Stochelo Rosenberg gig with Al Di Meola. It was incredibly cool. Joscho Stephan is also incredibly good. I think Joscho offers online workshops. I absolutely have to sign up for one. [laughs]

SW: Would this challenge seriously appeal to you?

JP: Definitely! It’s basically shredding on the acoustic guitar – only as jazz! [laughs] And I think I’m pretty fast with my right hand. I’d love to give it a try.

SW: Thank you very much for the interview!

Original text

John Petrucci & Dream Theater

von Stefan Woldach

Nicht in einem High-Tech-Studio in Manhattan, sondern in einer ehemaligen Scheune im Upstate New York, nur einen Steinwurf entfernt vom Gelände des legendären Woodstock Festivals, entstand der neue Longplayer des US-Progressive-Rock-Fünfers. Dort lernen wir Gitarrist John Petrucci auch von einer anderen Seite kennen.

In den Catskill‘s Mountains, unweit des legendär gewordenen Örtchens Bethel, liegt eine zum Studio umgebaute Scheune, die den Namen „Yonderbarn“ trägt. Dort quartierten sich im vergangenen Sommer Dream Theater für ihren neuen Longplayer ein. Arbeitsziel: Zurück zu den Anfängen.

Soll heißen: Gemeinsames Schreiben und Aufnehmen als Band in einem Raum, anstatt separates Songwriting der Herren Rudess und Petrucci und anschließendem Track-by-Track-Recording. Das Ganze inklusive gemeinsamem Abhängen, Kochen, Essen und Trinken. Das Ergebnis hört auf den Namen ‚Distance Over Time‘.

Stefan Woldach: John, wie kam es, dass ihr euch für diese Arbeitsweise entschieden habt?

John Petrucci: Wir waren extrem lange auf Tour, zuerst mit ‚The Astonishing‘, dann mit der ‚Images, Words & Beyond‘-Anniversary-Tour, insgesamt mehr als zwei Jahre. Das letzte Studioalbum haben Jordan und ich deshalb alleine geschrieben. Das hat uns viel Zeit gekostet und fühlte sich am Ende ein wenig isoliert an.

Wir wollten deshalb wieder die ganze Band dabei haben, wollten zusammen schreiben, proben und einfach mehr Zeit miteinander verbringen. Wenn wir in unserem Proberaum in New York sind, ist das in der Regel so: Du wirst dauernd gestört, es gibt ständig Unterbrechungen, familiäre Termine, und es sind meist nicht alle dabei.

Deshalb beschlossen wir, zusammen aufs Land zu fahren, abgeschottet von allen Terminen, Verpflichtungen und Ablenkungen, nur auf das gemeinsame Musikmachen ausgerichtet. Wir fanden dann diese wundervolle Scheune, ein ehemaliges Studio in den Catskill‘s Mountains und das war wundervoll. Es liegt mitten im Wald, direkt an einem See, es gibt dort Rehe, Enten und Waschbären. Die Landschaft ist atemberaubend schön. Wir hatten unheimlich viel Spaß.

SW: Der Schreibprozess als gesamte Band beinhaltet auch schon mal Auseinandersetzungen und Diskussionen. War die Entstehung von ‚Distance Over Time‘ ein einfacher Prozess?

JP: Ja, das ist bei uns recht einfach, weil wir uns sehr gut kennen. Und selbst wenn jemand anderer Meinung ist, ist das keine große Sache. Am Ende hängt es oft davon ab, wie gut du den Kollegen deine Idee verkaufen kannst. Wir sind nicht immer der gleichen Meinung, aber am Ende sind alle mit einem fertigen Song zufrieden. Darauf legen wir großen Wert. Wir verfolgen auch grundsätzlich jede Idee, lernen ein Riff, probieren es zusammen aus und wenn es funktioniert wird ein Song daraus.

SW: Der Opener ‚Unethered Angel‘ hat geradezu brachiale Energie. War das Absicht, um gleich mal die Richtung des Albums vorzugeben?

JP: Ja, genau. Das war der vierte Song den wir bei den Sessions geschrieben hatten und alle waren sich einig, dass dies ein perfekter Opener wäre! Wir warteten noch ab, weil wir noch einige Songs schreiben würden, aber am Ende war der Song ideal, um das Album zu eröffnen. Er beginnt geheimnisvoll, lockt dich langsam an – und knallt dir dann voll vor den Kopf! (lacht) Ein wirklich starker Start!

SW: ‚Barstool Warrior‘ und ‚Wit’s End‘ sind mal wieder exzellente Beispiele für komplex verwobenes Melodiespiel.

JP: Cool. Das sind halt unsere Einflüsse von Bands wie Yes, Genesis und Marillion, das ist genau unser Stil – starke Melodien, große Refrains – das macht für mich Progressive Rock aus.

SW: Wie lange haben Songwriting und Recording gedauert?

JP: Der Schreibprozess hat vier Wochen gedauert. Ursprünglich wollten wir im Yonderbarn das Album nur schreiben, und es in New York aufnehmen. Das Yonderbarn war zwar mal ein Studio, stand aber zuletzt leer. Doch dann haben wir uns dort so wohlgefühlt, der Live-Raum klang toll und die Umgebung hat uns so gut gefallen, dass wir umdisponiert haben. Wir haben also unser gesamtes Aufnahme-Equipment ankarren lassen – Mikrofone, Preamps, Monitore, alles was man braucht, haben in drei Tagen das Studio technisch komplett aufgebaut und dort aufgenommen. Abgesehen von James, der seine Vocals im Anschluss mit Richard Chyki in dessen Studio in Toronto aufgenommen hat, weil James lieber Ruhe zum Einsingen hat.

SW: Das Album klingt deutlich härter als eure letzten. Was bedeutete das für dich und deine Sound-Settings, beziehungsweise Amps und Gitarren?

JP: Wir haben unser gesamtes Live-Equipment angekarrt. Die wichtigste Komponente ist mein Mesa Boogie JP 2C Signature Amp. Das ist mein Amp, das ist mein Sound. Das Einzige, was dort anders war: Da der Aufnahmeraum so geil klang, haben wir für die Gitarre ein Raummikro aufgestellt, und beim Mix ein bisschen von der Charakteristik des Raums dazugegeben.

SW: Wie stehst du aktuell zum Thema Overdrive/ Fuzz vs. Gain?

JP: Ich habe meinen Sound mit dem Mesa Boogie gefunden. Das Gain meines Amps bietet mir eine Menge Power. Ich muss da überhaupt nichts mehr hinzufügen. Dazu kommt der Gain Boost meines Majesty Signature Modells, wenn ich mal ein gewisses Extra an Schub will. Aber das ist Geschmackssache.

Wenn du einen cleanen Amp gut findest und einen Overdrive oder Fuzz davor schaltest, ergibt das auch einen großartigen Sound. Klasse, aber anders. Nicht so direkt und punchy, eher etwas cremiger mit mehr Kompression. Aber das hängt davon ab, was für einen Stil du spielen willst. Natürlich habe ich ein paar Overdrive/Fuzz-Treter auf meinem Board für ein bisschen Spaß hier und da. Aber ich brauche sie eigentlich nicht. Ich habe mich für das Gain meines Amps entschieden.

SW: Was nutzt du denn aktuell, um deinen Sound zu kolorieren?

JP: Ich habe nur ein paar Pedale, meist von TC Electronic. Für Clean-Sounds benutze ich den HyperGravity Kompressor, den Sound mag ich sehr. Dann den Viscous Vibe und mein Dreamscape Modulation Signature Pedal. Nicht zu vergessen mein Dunlop Signature Cry Baby Wah. Dann habe ich noch ein Fractal Audio Axe-FX III für Delay-Sounds.

SW: Du hast inzwischen dein achtes Signature-Modell am Start. Ist das Ausdruck für die musikalischen Veränderungen oder spieltechnischen Anforderungen im Laufe der Zeit?

JP: Die Majesty ist ein ganz eigenes Ding. Am Design hat sich nichts geändert, aber an den Details. Auf der kommenden NAMM Show werden wir ein neues Modell vorstellen. Das Einzige, das wir ändern, sind Holzkombination und Lackierungen. Und auch die DiMarzio-Pickups sind dezent unterschiedlich. Aber das Design ist unverrückbar, denn diese Gitarre ist aus meiner Sicht einfach perfekt. Als ich vor 18 Jahren meine Zusammenarbeit mit Music Man begann, waren die ersten Bodies aus Linde. Ich kam von Ibanez und war Linde-Korpusse gewohnt. Das machte Sinn.

Dann hat sich meine Signature im Laufe der Jahre geändert. Wir haben die Korpusform etwas angepasst, haben die BFR eingeführt, die ein bisschen größer und traditioneller ausgerichtet ist. Erst mit der Majesty kam eine deutliche Veränderung des Designs, was der Neck-thru-Konstruktion geschuldet ist, während die anderen Signatures geschraubte Hälse hatten.

Die Entwicklung meiner Signature-Modelle beruht auf meiner Suche nach Sound, meiner Liebe für Gitarren und die Gitarrenbaukunst generell. Jede meiner Signatures könnte ich aus dem Stand in jeder Dream-Theater-Show spielen und wäre absolut zufrieden. Sie sind alle ein wenig unterschiedlich, was Shaping und Hölzer angeht, aber sie sind alle auf ihre Art großartig.

SW: Wie sieht das mit Vintage-Instrumenten aus?

JP: Das Thema hat mich nie gereizt. Ich besitze keine alte Stratocaster, keine Les Paul, SG oder ES-335. Ich war ziemlich jung, als ich mit Dream Theater das Angebot bekam mit Ibanez zu arbeiten. Dadurch habe ich früh ein Signature-Instrument gespielt. Und jetzt, nach 18 Jahren bei Music Man, habe ich mit meinen Signature-Modellen alles, was ich mir erträumt habe.

SW: Und was spielst du zu Hause, auf dem Sofa, gerade was Acoustics angeht?

JP: Ich besitze einige Taylors. Die habe ich vor Jahren für mich entdeckt und schätzen gelernt. Auf dem neuen Album habe ich ein brandneues Modell mit ihrem neuen Bracing-System ausprobieren können. Und weißt du was: Ich habe mir unlängst eine Akustik-Gitarre bei euch in Deutschland gekauft. Ich habe vor einiger Zeit den Gypsy-Jazz für mich entdeckt, durch Joscho Stephan. Kennst du ihn?

SW: Aber sicher!

JP: Ich habe mir seine Gitarre angeschaut und mir auch eine Gitarre im Selmer-Maccaferri-Stil von Gitarrenbauer Jürgen Volkert gekauft. Die Gitarre habe ich übrigens im Mittelpart von ‚Fall Into The Light‘ gespielt.

SW: Du hast also den Gypsy Swing für dich entdeckt?

JP: Ja, absolut! Das ist wirklich heißer Scheiß! Ich weiß auch nicht, warum ich das jetzt erst entdeckt habe. Warum ist diese großartige Musik so lange an mir vorbeigegangen? Ich habe mir neulich einen Gig von Stochelo Rosenberg mit Al Di Meola angeschaut. Das war unfassbar cool. Joscho Stephan ist auch unglaublich gut. Ich glaube Joscho bietet Online-Workshops an. Ich muss mich da unbedingt anmelden. (lacht)

SW: Würde dich diese Herausforderung ernsthaft reizen?

JP: Auf jeden Fall! Es ist im Grunde Shredding auf der akustischen Gitarre – nur als Jazz! (lacht) Und ich bin ganz flott, glaube ich, was den Anschlag meiner rechten Hand angeht. Ich würde das gerne mal probieren.

SW: Vielen Dank für das Gespräch!