Dream Theater – New Airs, New Era

It’s finally here – Falling Into Infinity, Dream Theater’s first new album in two years, is finally in the can. We discovered it while the band was locked away in a New York studio, putting the finishing touches to it. And, surprise surprise, it’s a new Dream Theater that we discovered on the spot. Here’s the story.

Well, it’s true, we had been able to discover a few tracks from this long-awaited opus (five, to be precise) when the kings of American prog metal had given a series of mini-concerts in Europe and the USA on the eve of their entry into the studio. The effect was to increase our curiosity tenfold. Would the new songs be modified after the live test? Would they even appear on the album? All these questions were answered on July 25, the day we joined the five musicians in New York, in the muggy atmosphere of Avatar Studios on 53rd Street. There, right from the start, we had the privilege of listening to seven of the eleven tracks mixed, while in the adjacent room, John Petrucci was recording the instrumental ‘Hell’s Kitchen’, the final piece in the edifice, scheduled for release on September 23. This listening party concludes with Falling Into Infinity, produced by Kevin Shirley (Rush, Silverchair, Aerosmith) – who succeeds Terry Date, David Prater, John Purdell and Duane Baron – is likely to surprise or even confuse purists: never before has Dream Theater so deliberately sought out radio airplay, lining up several beautiful but undeniably commercial ballads. Clearly, the band is seeking wider recognition, trying to win over a new audience without alienating their fans, as evidenced by the long, unstoppable progressive-metal tracks (‘Lines In The Sand’, ‘Peruvian Skies’), a field in which they are masters. For the first time, then, a consensual yet interesting record, aimed at reassuring fans without sulking the usually hermetic American radio stations. An album born in pain (the revealing phrase “Take away our pain”, written in marker on the studio walls, bears witness to this) and haste (“EastWest took us from total inaction to recording in a hurry”, Portnoy confides). In short, a slight but real change of direction. And there’s nothing better than an interview with the whole band to make sure.

Hard-Rock: Let’s go back to your recent (but short) European tour. Why didn’t you play in France?

James LaBrie: Quite simply because the only French city we’ve ever played in is Paris. It’s definitely not our fault. Dream Theater would love to be able to “conquer” France and play in the provinces, in Lyon for example. But we’ve never been offered it. We will, however, try to perform in several French cities on our next tour, and not just in Paris.

Mike Portnoy: We should also point out that last April’s tour was not a “real” tour. We only played eight shows, limiting ourselves to Holland, Italy and Germany. Normally, when we play in Europe, we visit a dozen countries. But this time, they were just special warm-up gigs, and we didn’t have the time to cover the whole of Europe. So we concentrated on the places where we do best and where we could attract the maximum number of fans. Again, it had nothing to do with a proper tour.

HR: Previously, you had played five concerts of the same type in the United States. Why these shows on the eve of returning to the studio?

MP: We hadn’t started recording yet, because we didn’t go into the studio until June, after the eight European shows. We’d been composing new material for almost a year, and were waiting to get into the studio. As long as the recording hadn’t started, we were eager to play live. We’re musicians, so what could be more logical?

JL: These concerts also gave us the opportunity to test our new songs in front of our audience. And we learned a lot. It’s an experience I’d like to repeat before recording each of our future albums, because it allows us to strengthen ourselves as a band and, above all, to identify the weak points of each track, to act according to the reaction of the fans, depending on whether they like it or not.

HR: Indeed, it seems to me that you’ve made some drastic cuts in certain tracks whose final versions are much shorter than the demos...

MP: It’s true, a few tracks have been shortened. We owe this to Kevin Shirley, our producer. In a way, that’s what came out of his contribution to the new album, his suggestions. But not all the tracks have been shortened. Only a few were slightly cut. According to him, it helped the musical arrangements.

HR: “Slightly cut”, “slightly cut”... A track like ‘Burning My Soul’ was originally 9 minutes long, but in the end it’s only 5:30. That’s not what you’d call a “light” cut!

MP: Exactly, but the three and a half minutes that were “cut” will still appear on the album in the form of an instrumental, ‘Hell’s Kitchen’. We often wondered whether the presence of this section of ‘Burning My Soul’ was fully justified, whether it interrupted the song too abruptly. Kevin decided, he suggested that we use this bridge instrumental in another way, independently of the song. But we didn’t put it on the shelf, we just rearranged it, and it will be on the album.

HR: Back in April, you told us that you had 15 songs set aside. But only eleven of them will appear on the album. It must have been a tough choice...

MP: Yes, we thought it would be a very difficult choice, but when it came down to it, the strongest tracks naturally stood out. So there were no heated discussions about whether this or that track was better, and we very easily came to a group agreement.

Each of us knew which tracks were the most “powerful”. We had two and a half hours of tape, sixteen demos in all, and only 75 minutes of it would make it onto the record. We did think about releasing a double album, but in the end we realized that a single album already required an enormous amount of work.

JL: I think it’s far too early to release a double album. Right now, we’re concentrating on the quality of the songs, and a single album allows us to show our fans how our music has evolved and how far we’ve come. That’s the most important thing. We’ll have time later to think about a double album.

MP: So we’ve got six tracks to spare, which we’ll record later. For the moment, we’d rather concentrate entirely on the album and finish it, then go on tour. But, of course, we’ll come back to these tracks at some point. In any case, one or two tracks will appear somewhere, as B-sides to singles, or perhaps as demos, since we haven’t recorded them yet.

HR: Some of these tracks were written quite some time ago...

MP: Not really, since the writing process only began in January 1996.

HR: Including ‘Raise The Knife’? [knowing smile]

MP: [laughs] S***, he cornered us! I don’t remember telling you that. OK, the music for ‘Raise The Knife’ was composed during the ‘A Change Of Seasons’ sessions. In fact, it was the only track we had before last January, when we added lyrics and a vocal line.

HR: It took you quite a while to finally decide to work with Kevin Shirley...

MP: Yes, we considered other possibilities, but we waited until we had all the demos and the green light from our label before really considering the choice of producer.

JL: Kevin was suggested to us about a year ago. At the time, it was still a bit premature. Then, when we did this mini-series of shows in the States in December ‘96, his name came up again. By then, we’d already started contacting other producers, so we asked to meet him to get an idea. We immediately liked the way he was. Later, he came to see us play in Amsterdam. He liked our new songs and was blown away by the enthusiasm of our fans. From then on, we started talking seriously. He took it very seriously, not as just another record, not as an imposed job, and he had his own vision of what our album should be. I like what he’s done with Aerosmith and Journey. To be honest, I’m not a Silverchair fan, never have been...

MP: Let’s not forget Rush’s Counterparts, certainly their best album of the last ten years. Kevin has worked with a lot of different bands, and some of our fans must wonder why we chose him. Take Aerosmith, Rush and Journey – there’s a bit of each of those bands in Dream Theater. Plus, Kevin captures our live energy in a way we’ve never been able to before. His main concern is to give the record a personality. In the past, we recorded instruments one after the other, and the result was one-dimensional. He may have a reputation for making what he produces sound very commercial, but I honestly think this is our most experimental album to date. It’s got a lot of depth to it.

JL: From time to time, he can be aggressive and uncompromising if he feels he has to be. And we’ve had our moments of friction. But that’s the way it should be. We didn’t want a producer who just went with the flow, never raising any objections. In that respect, Kevin was the first “real” producer we worked with. At least he made suggestions, got involved and argued with us. David Prater was also aggressive but excessively so, to the point of becoming antisocial. It was difficult to communicate with him.

MP: He’s worked with such big names that you can guess that producing us is a sign of real passion for him...

HR: How will you be spending your time once the album is finished?

JL: We’re going to be doing a lot of promotional work and then taking part in the Brazilian Monsters Of Rock at the end of August. This will be a perfect warm-up for the “real” tour that follows. We’ve never played there before, and the album won’t even be out when we get there, so we couldn’t have wished for a better warm-up. Then we’ll probably be touring the States until Christmas, take a break and embark on a second American tour until February. Then we’ll tackle Europe, Japan and the rest of the world. We really want to tour a lot and maybe try to reach new markets like Indonesia, Malaysia and the Eastern Bloc.

HR: Derek, what was it like recording your first album with them?

Derek Sherinian: This is without doubt the album I’ve had the most fun recording in my entire career.

JL: The sound is simply better. If you focus on the keyboards, you realize that they have evolved a lot. They bring a new dimension with these new sounds.

MP: And he’s got better taste in clothes than Kevin Moore! [laughs] And he’s funnier. He’s brought a huge amount to our music, he’s got the balls of a guitarist when he goes off lead as well as the more typical classical keyboard sounds I’ve always loved: the organ, the Mellotron, etc. The best of both worlds, traditional and modern, is what he brings to the table. The best of both worlds, tradition and modernity.

HR: How would you define the sound of this new album?

MP: It’s the best album we’ve ever made. I know, everyone says that, but... it represents who we are today. If people expected us to make Images And Words or Awake again, they were wrong. We’ve passed the thirty-year mark, we’ve got kids, we’re heading into the 21st century. We’ve changed, we don’t want to relive the past. What we’re doing today is a step into the second millennium. As always, this album contains a bit of everything: pop, progressive, heavy... And let’s not forget that we make our living from selling our records. To keep recording albums, we need to make money. So we have to compose music that we like and that other people will appreciate.

HR: Does that mean you’ve had to make concessions?

MP: No, I don’t think so. But it’s something you have to keep in mind. If you’re content to do only what you want to do, you run the risk of staying underground, of not selling enough records to be able to continue making a living from music. That’s one of the harsh realities of the business.

HR: That’s why some of the tracks I’ve just discovered are among the most “commercial” you’ve ever recorded...

JL: Of course, and that’s a good thing. Because it’s going to allow us to make more records, to allow us to last. If Rush is still around today, it’s because they’ve had some success on the radio. The more success we have with Falling Into Infinity, the freer we’ll be to do as we please next time. But above all, we composed according to our tastes, by throwing out what we had in our hearts. That’s the most important thing.

MP: Yes, sometimes we try to make things shorter, but a track like ‘Metropolis – part 2’, on the other hand, was composed without any ulterior motive. As a result, it’s almost 25 minutes long. We didn’t include it on the album for the obvious reason of space: this single track alone would have taken up the space of five others! So, yes, to come back to your question, sometimes we compose with radio standards in mind, but on the other hand, we don’t neglect progressive or harder music. Each track has its own purpose. And let’s not forget that our biggest radio hit to date is ‘Pull Me Under’, which lasts no less than 8:30. You never know in advance what radio stations will like.

—Philippe Lageat

Photo captions:

John Petrucci had time to cut his teeth at clinics for his sponsor Ibanez last April. It’s hardly surprising, then, that he comes through with flying colors on the band’s new opus!

John Myung is a discreet man. So much so, in fact, that he won’t utter a word during our entire interview with the band. Fortunately, the bassist is more audible on album and on stage. Phew!

Despite their serene air, the musicians of Dream Theatre are far more nervous than they appear. The band’s new musical direction may well surprise even the most hardened of fans.

James LaBrie, announced for the third instalment of the Tribute To Judas Priest, will not be taking part after all.

Mike Portnoy, at the end of the interview, giving us a “little” demonstration of his immense talent.

Above: the custom bass drum from one of the two monster kits Portnoy used on Falling Into Infinity.

Left: John Myung, focused to the extreme, in the cozy comfort of Avatar Studios, New York, recording his final takes.

Original text

Dream Theater – Airs nouveaux, ère nouvelle

Ça y est enfin, Falling Into Infinity, le premier disque de Dream Theater à voir le jour depuis deux ans, est en boîte. Nous l’avons découvert alors que le groupe, enfermé dans un studio new-yorkais, y apportait la touche finale. Et, surprise surprise, c’est un Dream Theater nouveau que nous avons découvert sur place. Récit.

Bon, c’est vrai, nous avions pu découvrir quelques titres de cet opus tant attendu (cinq, pour être précis) lorsque les rois du metal prog’ ricain avaient donné, en Europe et aux États-Unis, une série de mini-concerts à la veille de leur entrée en studio. Cela avait eu pour effet de décupler notre curiosité. Ces nouveaux morceaux allaient-ils être modifiés après avoir subi le test de la scène ? Allaientils d’ailleurs apparaître sur l’album ? Réponses à toutes ces questions nous ont été données le 25 juillet dernier, jour où nous rejoignions les cinq musiciens à New York, dans la moiteur des Avatar Studios, dans la 53ème rue. Là, d’entrée, nous avions le privilège de pouvoir écouter sept titres mixés sur les onze prévus tandis que, dans la pièce adjacente, John Petrucci enregistrait l’instrumental « Hell’s Kitchen », dernière pièce de l’édifice dont la sortie est prévue pour le 23 septembre. Conclusion de cette « listening party », Falling Into Infinity, produit par Kevin Shirley (Rush, Silverchair, Aerosmith) – qui succède à Terry Date, David Prater, John Purdell et Duane Baron – risque de surprendre, voire de dérouter les puristes : jamais Dream n’a, auparavant, aussi volontairement lorgné du côté des radios, alignant plusieurs ballades, belles mais indéniablement commerciales. Visiblement, le groupe cherche une reconnaissance plus large, veut tenter de convaincre un nouveau public, sans pour autant se mettre ses fans à dos, comme en témoignent de longues pièces metallo-progressives imparables (« Lines In The Sand », « Peruvian Skies »), domaine dans lequel il est passé maître. Pour la première fois, donc, un disque consensuel et néanmoins intéressant, visant à rassurer les fans sans pour autant bouder les radios américaines, habituellement hermétiques. Un album accouché dans la douleur (la phrase révélatrice « Take away our pain », inscrite au marqueur sur les murs du studio, en témoigne) et la précipitation (« EastWest nous a fait passer de l’inaction totale à un enregistrement dans l’urgence » nous confiera Portnoy ). Bref, changement de cap, léger, mais réel. Rien de tel, pour s’en assurer, qu’un entretien avec le groupe au grand complet.

Hard-Rock: Revenons sur votre récente (mais courte) tournée européenne. Pourquoi n’avez-vous pas joué en France ?

James LaBrie : Tout simplement parce que la seule ville française dans laquelle nous ayons jamais joué est Paris. Ce n’est définitivement pas notre faute. Dream Theater adorerait pouvoir « conquérir » la France et jouer en province, à Lyon par exemple. Mais on ne nous l’a jamais proposé. Nous tenterons cependant de nous produire lors de notre prochaine tournée dans plusieurs villes françaises et non pas uniquement à Paris.

Mike Portnoy : Précisons également que la tournée d’avril dernier n’était pas une « vraie » tournée. Nous avons simplement donné huit concerts en nous limitant à la Hollande, l’Italie et l’Allemagne. En temps normal, lorsque nous jouons en Europe, nous rendons visite à une douzaine de pays. Mais cette fois-ci, c’était simplement des gigs d’échauffement spéciaux et nous n’avions pas le temps de couvrir l’ensemble de l’Europe. Nous nous sommes donc concentrés sur les endroits où nous marchons le mieux et où nous pouvions attirer un maximum de fans. Encore une fois, ça n’avait rien à voir avec une tournée digne de ce nom.

HR : Auparavant, vous aviez donné cinq concerts du même type aux États-Unis. Pourquoi ces shows à la veille de rentrer en studio ?

Nous n’avions pas encore commencé l’enregistrement puisque nous ne sommes entrés en studio qu’en juin, après les huits concerts européens. Nous avions composé de nouveaux titres pendant près d’un an et nous attendions d’entrer en studio. Tant que l’enregistrement n’avait pas commencé, nous étions désireux de jouer live. Nous sommes des musiciens, quoi de plus logique.

JL : Ces concerts nous donnaient également l’occasion de tester nos nouveaux morceaux devant notre public. Et nous avons beaucoup appris. C’est une expérience que j’aimerais réitérer avant d’enregistrer chacun de nos futurs albums car ça nous permet de nous renforcer en tant que groupe et, surtout, de repérer les points faibles de chaque titre, d’agir en fonction de la réaction des fans, selon qu’ils aiment ou qu’ils n’aiment pas.

HR : Effectivement, il me semble que vous avez opéré des coupes franches dans certains titres dont les versions finales sont bien plus courtes que es démos...

MP : C’est vrai, quelques morceaux ont été raccourcis. On le doit à Kevin Shirley, notre producteur. C’est en quelque sorte ce qui a résulté de sa contribution à ce nouvel album, de ses suggestions. Mais tous les titres n’ont pas subi ce traitement. Seuls quelques-uns ont été légèrement amputés. Selon lui, ça favorisait les arrangements musicaux.

HR : « Légèrement amputés », « légèrement amputés »... Un titre comme « Burning My Soul » faisait 9 minutes à l’origine et ne fait plus que 5’30 au final. Ce n’est pas ce qu’on peut qualifier de coupe « légère » !

MP : Exact, mais les trois minutes trente « écartées » figureront tout de même sur l’album sous la forme d’un instrumental, « Hell’s Kitchen ». Nous nous sommes souvent posé la question de savoir si la présence de cette section de « Burning My Soul » se justifiait pleinement, n’interrompait pas le morceau trop brutalement. Kevin a tranché, il a suggéré que nous utilisions ce bridge instrumental d’une autre façon, indépendemment du morceau. Mais nous ne l’avons pas mis au placard, nous nous sommes contentés de le réarranger, il figurera sur l’album.

HR : En avril dernier, vous nous confiiez avoir près de 15 titres de côté. Or, seuls onze d’entre eux figureront sur l’album. Le choix a dû être cornélien...

Nous pensions effectivement que le choix s’avérerait très difficile mais lorsqu’il a fallu nous décider, les titres les plus forts se sont naturellement imposés à nous. Il n’y a donc pas eu de discussions enflammées pour savoir si tel ou tel titre était meilleur, nous sommes très facilement parvenus à un accord de groupe.

Chacun d’entre nous savait quels étaient les morceaux les plus « puissants ». Nous disposions de deux heures et demie de bande, seize démos au total et seules 75 minutes figureront sur le disque. Nous avons bien pensé à sortir un album double mais, finalement, nous nous sommes rendu compte qu’un album simple demandait déjà une quantité faramineuse de travail.

JL : Je pense qu’il est beaucoup trop tôt pour sortir un album double. Là, nous nous sommes concentrés sur la qualité des morceaux et un album simple nous permet de montrer à nos fans de quelle façon notre musique a évolué, quelle a été notre marge de progression. C’est le plus important. Nous aurons le temps plus tard de réfléchir à un album double.

MP : Nous avons donc six titres de côté que nous enregistrerons plus tard. Pour l’instant, nous préférons nous concentrer entièrement sur l’album et l’achever, puis partir en tournée. Mais, c’est sûr, nous nous repencherons sur ces morceaux un jour ou l’autre. Quoi qu’il en soit, un ou deux titres apparaîtront quelque part, en face B de singles, peut-être sous forme de démos puisque nous ne les avons toujours pas enregistrés.

HR : Certains de ces titres ont été composés il y a déjà pas mal de temps...

Pas vraiment puisque le processus d’écriture n’a débuté qu’en janvier 1996.

HR : Y compris « Raise The Knife » (sourire entendu) ?

(rires) Merde, il nous a coincés ! Je ne me souvenais plus te l’avoir dit. OK, la musique de « Raise The Knife » a été composée durant les sessions de A Change Of Seasons. En fait, c’était le seul titre dont nous disposions avant le mois de janvier dernier, date à laquelle nous lui avons ajouté des paroles et une ligne de chant.

HR : Il vous a fallu pas mal de temps pour enfin vous décider à travailler avec Kevin Shirley...

Oui, nous avons considéré d’autres hypothèses mais nous avons attendu de disposer de l’intégralité des démos et d’avoir le feu vert de notre label avant de réellement nous pencher sur le choix du producteur.

JL : Kevin nous a été suggéré il y a environ un an. A l’époque, c’était encore un peu prématuré. Puis, lorsque nous avons donné cette mini-série de concerts aux States, en décembre 96, son nom est revenu sur le tapis. A l’époque, nous avions déjà commencé à contacter d’autres producteurs et nous avons donc demandé à le rencontrer, histoire de nous faire une idée. Nous avons, d’entrée, aimé sa façon d’être. Plus tard, il est venu nous voir jouer à Amsterdam. Il a aimé nos nouveaux morceaux et a été soufflé par l’enthousiasme de no fans. Dès lors, nous avons commencé à parler sérieusement. Il prenait la chose très sérieusement, pas comme un disque de plus, un boulot imposé et il avait sa propre vision de ce que devait être notre album. J’aime ce qu’il a fait avec Aerosmith et Journey. Pour être honnête, je ne suis pas un fan de Silverchair, je ne l’ai jamais été...

MP : N’oublions pas Counterparts de Rush, certainement leur meilleur album de ces dix dernières années. Kevin a travaillé avec bon nombre de groupes très différents et certains de nos fans doivent se demander pourquoi nous l’avons choisi. Prenons Aerosmith, Rush et Journey, il y a un peu de chacun de ces groupes dans Dream Theater. Et puis, Kevin a su capturer notre énergie live comme jamais nous n’étions parvenu à le faire auparavant. Son soucis premier est de donner une personnalité au disque. Dans le passé, nous enregistrions les instruments les uns après les autres pour un résultat unidimensionnel. Il a peut-être la réputation de faire sonner ce qu’il produit de façon très commerciale mais je pense sincèrement qu’il s’agit de notre album le plus expérimental à ce jour. Le son a énormément de profondeur.

JL : De temps en temps, il sait se montrer agressif et peu complaisant s’il pense qu’il doit agir ainsi. Et nous nous sommes parfois frictionnés. Mais c’est dans l’ordre des choses. Nous ne voulions pas d’un producteur qui se contente de suivre le mouvement, sans jamais faire d’objections. En cela, Kevin est le premier « vrai » producteur avec qui nous avons travaillé. Au moins, il faisait des suggestions, s’investissait, s’engueulait avec nous. Aggressif, David Prater l’était également mais à outrance, au point d’en devenir antisocial. Il était difficile de communiquer avec lui.

MP : Il a travaillé avec de telles pointures qu’on peut deviner que nous produire est pour lui le signe d’une vraie passion...

HR : Quel va être votre emploi du temps, une fois l’album achevé ?

JL : Nous allons faire énormément de promo puis participer aux Monsters Of Rock brésiliens à la fin août. Cela constituera un échauffement parfait pour la « vraie » tournée qui suivra. Nous n’avons jamai joué là-bas et l’album ne sera pas encore sorti lorsque nous nous y produirons, nous ne pouvions rêver mieux comme mi e en jambes. Puis nous tournerons probablement aux States jusqu’à Noël, nous ferons un break et nous nous lancerons dans une seconde tournée américaine jusqu’en février. Ensuite, nous nous attaquerons à l’Europe, au Japon et au reste du monde. Nous voulons vraiment tourner de manière intensive et, pourquoi pas, séduire de nouveaux marchés comme l’Indonésie, la Malaisie et les pays de l’Est.

HR : Derek, comment était-ce d’enregistrer ton premier album avec eux ?

Derek Sherinian : C’est sans aucun doute l’album que j’ai pris le plus de plaisir à enregister de toute ma carrière.

JL : Le son est tout simplement meilleur. Si tu te concentres sur les claviers, tu te rends compte qu’ils ont énormément évolué. Ils apportent une dimension nouvelle avec ces sons inédits.

MP : Et puis il a meilleur goût en matière de fringues que Kevin Moore (rires) ! Et il est plus drôle. Il a apporté énormément à notre musique, il a les c.... es d’un guitariste lorsqu’il part en lead ainsi que les sonorités classiques plus typiques des claviers que j’ai toujours aimées : l’orgue, le Mellotron, etc. Le meilleur des deux mondes, tradition et modernité.

HR : Comment définiriez-vous le son de ce nouvel album ?

C’est le meilleur album que nous ayons jamais fait. Je sais, tout le monde dit ça mais... il représente ce que nous sommes aujourd’hui. Si les gens attendaient de nous que nous refassions Images And Words ou Awake, ils se sont trompés. Nous avons franchi la barre des trente ans, nous avons des enfants, nous nous dirigeons vers le 21e siècle. Nous avons changé, nous ne voulons pas revivre le passé. Ce que nous faisons aujourd’hui est un pas vers le second millénaire. Comme toujours, cet album contient un peu de tout, de la pop, du progressif, du heavy... Et puis, il ne faut pas oublier que nous vivons de la vente de nos disques. Pour continuer à enregistrer des albums, nous devons faire rentrer de l’argent. Il nous faut donc composer de la musique que nous aimons et que d’autres personnes vont apprécier.

HR : Entends-tu par là que vous avez dû faire des concessions ?

Non, je ne pense pas. Mais c’est quelque chose qu’il ne faut pas perdre de vue. Si tu te contentes de faire uniquement comme tu l’entends, tu risques de rester underground, de ne pas vendre suffisamment de disques pour pouvoir continuer à vivre de la musique. C’est l’une des dures réalités du business.

HR : C’est pourquoi certains titres que je viens de découvrir sont parmi les plus « commerciaux » que vous ayez jamais enregistrés...

JL : Bien sûr et c’est très bien comme ça. Car ça va nous permettre d’enregistrer d’autres disques, nous permettre de durer. Si Rush est encore là aujourd’hui, c’est parce qu’ils ont eu un certain succès en radio. Plus nous aurons de succès avec Falling Into Infinity, et plus nous serons libres d’agir à notre guise la prochaine fois. Mais nous avons avant tout composé selon nos goûts, en balançant ce que nous avions sur le cœur. C’est le plus important.

MP : Effectivement, il nous arrive parfois d’essayer de faire plus court mais un titre comme « Metropolis-Part 2 », à l’inverse, a été composé sans arrière-pensée. Résultat, il dure au final près de 25 minutes. Nous ne l’avons pas inclu sur l’album pour une évidente question de place : ce seul morceau aurait, à lui seul, pris la place de cinq autres titres ! Alors oui, pour revenir à ta question, il nous arrive de composer en pensant aux standards radio, mais, d’un autre côté, nous ne délaissons pas pour autant les compos progressives ou plus hard. Chaque titre a un but qui lui propre. Et puis, il ne faut pas oublier que notre plus gros hit en radio est, à ce jour, « Pull Me Under » qui dure pas moins de 8’30. On ne sait jamais à l’avance ce qui va plaire aux radios.

—Philippe Lageat

Photo captions :

John Petrucci a eu le temps de se faire la main lors de clinics pour son sponsor Ibanez en avril dernier. Pas étonnant donc qu’il s’en tire avec les honneurs sur le nouvel opus du groupe !

John Myung est un homme discret. A tel point qu’il ne pipera mot durant la totalité de notre interview avec le groupe. Heureusement, le bassiste est plus volubile sur album et sur scène. Ouf !

Malgré leur air serein, les musiciens de Dream Theatre sont bien plus nerveux qu’il n’y paraît. La nouvelle orientation musicale du groupe risque, en effet, de surprendre les fans les plus endurcis.

James LaBrie, annoncé sur le troisième volet du Tribute To Judas Priest, n’y prendra finalement pas part.

Mike Portnoy, à l’issue de l’entretien, nous faisant une « petite » demonstration de son immense talent.

Ci-dessus : la grosse caisse customisée d’un des deux kits monstrueux dont Portnoy s’est servi sur Falling Into Infinity.

A gauche : John Myung, concentré à l’extrême, dans le confort « cosy » des Avatar Studios, à New York, enregistrant ses dernières prises.